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Jun 09, 2023

Tiempo récord: lanzamientos de vinilo nuevos y notables (junio de 2023)

Record Time es la columna mensual de Paste que echa un vistazo a la amplia gama de nuevos lanzamientos en vinilo que actualmente inundan las tiendas de discos de todo el mundo, y todo el equipo que forma parte del continuo

Record Time es la columna mensual de Paste que echa un vistazo a la amplia gama de nuevos lanzamientos en vinilo que actualmente inundan las tiendas de discos de todo el mundo, y a todo el equipo que forma parte del auge continuo de la cultura del vinilo. En lugar de analizar cada pieza nueva del mercado, nos centraremos en ediciones especiales, reediciones y títulos inusuales que llegan a nuestro escritorio con interés en discutir tanto la música como cómo se edita y presenta. Este mes, eso incluye un montón de fantásticas reediciones de jazz, nuevas canciones de un cuarteto de Atlanta con profundas raíces en el mundo del rock y otra entrada impresionante a la discografía de una leyenda viviente.

Dorothy Ashby: El Rubáiyat de Dorothy Ashby / Gabor Szabo: El hechicero / Ahmad Jamal Trio: El despertar / Archie Shepp: Kwanza (Verve / UMe)

El reciente anuncio de que Blue Note Records iba a asociarse con Third Man Pressing, la planta de producción de vinilos en Detroit que forma parte del imperio de Jack White, para una serie de reediciones es sólo una prueba más de la calidad del trabajo que se está realizando. allá. Los ingenieros se toman muy en serio su trabajo y los coleccionistas de todo el mundo se han beneficiado de ello. Como prueba de ello, no busque más, estas reediciones producidas para la serie By Request de Verve. Estos cuatro LP representan la amplia gama de música que se incluye bajo el paraguas del jazz. Está la arpista Dorothy Ashby que utiliza la poesía de Omar Khayyam como punto de partida para un álbum salvaje de bop sinfónico y ritmos de bossa nova; Archie Shepp se vuelve funk y libre con su homenaje a la festividad africana que dio nombre al álbum de 1974; y Gabor Szabo intercambiando toques de guitarra con Jimmy Stewart mientras el resto de su banda toca notas altas de psicología latina como Santana en su mejor momento. La joya de la corona de esta carrera, sin embargo, es The Awakening, un LP con el título apropiado de Ahmad Jamal que, incluso con la moderación del buen gusto del pianista, tiene un aire de anhelo espiritual que brota de la música como un manantial.

Ray Barretto: Que Viva La Musica (Craft Recordings / Fania)

Probablemente mencione esto cada vez que escribo sobre un álbum de Fania Records que Craft Recordings ha reeditado en vinilo, pero este último sello está brindando un gran servicio a los fanáticos de la música latina y a los coleccionistas de discos con esta serie continua de reediciones. Confían el trabajo de remasterización al gran Kevin Gray y imprimen vinilos súper silenciosos, lo mejor para que estos sonidos enérgicos brillen. La edición del 50 aniversario de la brillante celebración de salsa Que Viva La Música de Ray Barretto no es una excepción. Mientras intentaba escribir esta propaganda, me detuve después de cada dos oraciones porque podía sentir que me distraía gratamente las líneas de los cuernos gritando y el hipnotizante trabajo de percusión de Barretto, John Rodríguez y el gran Orestes Vilato. La única manera de mejorarlo sería si la banda estuviera físicamente en la misma habitación que yo mientras interpretan estas canciones. Este LP suena lo más cerca posible de esa fantasía en 2023.

Michael Blake y Chroma Nova: Danza de la dicha mística (P&M)

El saxofonista Michael Blake habla de la música que escribió para este álbum como una distracción bienvenida no solo para la pandemia mundial sino también para la pérdida de su madre en 2018. Al apoyarse en sus pasiones creativas, conservó su cordura. Y lo que surgió de ese tramo oscuro es un registro de diferentes estados de ánimo y energía. La nube de luto todavía flota cerca, pero hay una clara sensación de que Blake quiere usar esta plataforma para celebrar la vida en todo su desorden. Suaviza muy bien el mensaje al utilizar dos percusionistas en lugar de un baterista de trap tradicional. La energía y el impulso todavía están presentes. Simplemente hay mucho más espacio para la contemplación y espacio para que él exprese sus emociones encontradas a través de sus solos de saxo tenor y flauta en la hipnotizante “Prune Pluck Pangloss” o dentro de los ritmos latinos con los que él y el guitarrista Guilherme Monteiro interactúan en “Little Demons”.

Orquesta de Cleveland: Mussorgsky: Cuadros de una exposición / Noche en la montaña calva / Lang Lang: Rachmaninoff: Concierto para piano n.º 3 en re menor, op. 30 / Scriabin: Estudios (Telarc / Craft Recordings)

Los fanáticos de la música clásica son los primeros en adoptarla y se lanzan al mundo de la nueva tecnología de audio tan pronto como está disponible. Tanto mejor para escuchar sus piezas e interpretaciones favoritas con la mayor fidelidad posible. Es por eso que el anuncio de una importante campaña de reedición por parte de Telarc, un pilar del mundo de la música clásica desde 1977, que incluye nuevas ediciones en vinilo, parece casi regresivo. El sello no ha abandonado por completo el formato, habiendo lanzado con moderación nuevos LP durante las últimas dos décadas. Pero me pregunto cuántas personas harán cola para conseguir los dos primeros álbumes de esta serie. La buena noticia es que no se sentirán decepcionados si lo hacen. Ambas impresiones están impecables gracias al trabajo del ingeniero Paul Blackmore, quien masterizó ambos discos utilizando archivos digitales de alta calidad, y Ryan Smith de Sterling Sound, quien cortó las lacas. Las interpretaciones de dos piezas de Modest Mussorgsky de la Orquesta de Cleveland, grabadas originalmente en 1978, suenan particularmente vivas mientras el compositor Lorin Maazel resalta la tensión y la belleza de cada obra.

Corvair: destinado a ser (paredes de papel)

Heather Larimer y Brian Naubert, los dos talentos detrás del grupo Corvair, con sede en Portland, tienen fuertes raíces en la comunidad musical del Noroeste. El primero era miembro del grupo de garage rock Eux Autres, mientras que el segundo ha pasado por una variedad de grupos como el gran Ruston Mire. Después de años de cruzarse, los dos finalmente decidieron unir fuerzas con el nuevo proyecto Corvair y deberíamos agradecer a nuestra estrella de la suerte que lo hicieran. Como lo confirma su segundo largometraje Bound to Be, este par tiene un amor permanente por la composición de canciones pop puras al modo de sus compañeros de izquierda superior como los Posies (el ex baterista de esa banda, Mike Musberger, se sentó con el grupo en la grabación tailandesa) y las espinillas. Lo que introducen con cuidado en sus canciones son toques de dream pop y shoegaze. Esos elementos se aplican con cuidado, agregando algo de textura y dinámica al material que de otra manera podría haber resultado cursi. El producto final es tan espeso y dulce como la miel.

Rosa Decisivo: Boleto a la Fama (Fuego)

Todo lo relacionado con Decisive Pink, el evento cruzado de electro-pop que presenta a Deradoorian y Kate NV, sugiere que los dos artistas se están divirtiendo como nunca trabajando juntos. La pareja se viste con atuendos espaciales glamorosos a juego, completos con maquillaje y peinados New Romantic. Y la música que hacen juntos es increíblemente divertida, girando perillas, conectando cables de conexión y golpeando las teclas de un sintetizador en delirantes movimientos sincronizados. Lo que los temas emergen del polvo digital y el spray de purpurina es nuestra tenue relación con la tecnología: su propio tipo de danza moderna mientras tratamos de encontrar el lado positivo en incómodos chats telefónicos automatizados, el tráfico en las horas pico y las líneas de comunicación fracturadas. Son los toques humanos que se esconden en las letras y se muestran en su colorida interacción musical los que evitan que el álbum se vuelva completamente desesperado. Estos dos fabulosos artistas ven los problemas que nos ocupan y los comentan sin atreverse a ofrecer soluciones aburridas más que mirar hacia adentro o dejarlo todo salir en la pista de baile.

Ani DiFranco: Pequeño castillo de plástico (Justeous Babe)

Aunque ha disminuido su producción en los últimos años, Ani DiFranco mantuvo un ritmo vertiginoso durante la mayor parte de 16 años. A partir de 1990, lanzó un álbum casi todos los años, y de alguna manera encontró la capacidad intelectual y la energía para mantener un ritmo constante de composición entre sus frecuentes giras y la supervisión de su sello Righteous Babe. Su noveno álbum de estudio, Little Plastic Castle, llegó justo en medio de esta carrera. Lanzado en 1998 y ahora en vinilo por primera vez, el disco aprovechó las olas de atención crítica que llegaron a DiFranco cuando las principales publicaciones musicales ya no pudieron ignorar sus decenas de fans y sus volúmenes de música. Ayudó a la artista de Buffalo a conseguir su puesto más alto en las listas de Billboard (#22) hasta la fecha y una nominación al Grammy. Hitos impresionantes teniendo en cuenta que DiFranco no se atrevió a cortejar la aceptación generalizada. La música de Castle se mantuvo fiel a su estilo de folk-pop enérgico y lirismo decididamente audaz, incluso cuando se inspira en la influencia del R&B y el reggae. El atractivo de este lanzamiento en vinilo naranja se duplica con una cuarta cara que presenta versiones de prueba inéditas de tres canciones que DiFranco, la bajista Sara Lee y el baterista Jerry Marotta grabaron en una sola sesión de grabación. El toma y daca de su forma de tocar es electrizante y sólo hace que la realidad de que ese trío nunca volvió a trabajar juntos sea mucho más desafortunada.

Dr. John: Los años de Montreux (BMG)

Los archivos de Claude Nobs, un coleccionista de grabaciones de audio y vídeo capturadas en el Festival de Jazz de Montreux, siguen siendo seleccionados para esta serie de lanzamientos en vinilo. Tengo dudas sobre todo el asunto, ya que escuchar este material es un festín para un obsesivo con la música como yo. Pero me pregunto por qué no publican simplemente los conciertos completos en lugar de recopilar lo más destacado de las muchas apariciones de un artista en el festival. Un gran ejemplo es este set que celebra al fallecido maestro de Nueva Orleans, el Dr. John. Se abre con un trío de canciones de 1986 que no incluye nada más que su piano y su voz reconocible al instante. Por muy bueno que sea el resto del set, que presenta al buen doctor tocando con amigos como Trombone Shorty y Cranston Clements, ninguno tiene la misma pegada y energía que su actuación en solitario. Danos la oferta de comida completa en lugar de este plato de muestra sabroso pero lleno.

Bob Dylan: Reino de las Sombras (Columbia)

Teniendo en cuenta los giros difíciles y extraños que Bob Dylan ha dado en su histórica carrera, no sorprende que, para su 40º álbum de estudio, el cantautor regrese al pozo que alimentó sus primeros triunfos. Grabado en 2021 con un excelente equipo de músicos de sesión (se rumorea que T Bone Burnett y Don Was participaron) para su uso en una película de concierto, Shadow Kingdom encuentra a Dylan regrabando una docena de pistas de la primera parte de su historia discográfica y una Nueva melodía solitaria. Es el tipo de movimiento que hacen los artistas tradicionales cuando se les acaban las ideas o están tratando de llegar a un acuerdo con sus editores para poder licenciar pistas para uso comercial. Esto es lo más alejado de esas maniobras perezosas. Dylan reimagina las canciones para que se adapten mejor al temblor actual de su voz y a un conjunto sin percusión que tiene mucho acordeón y las pinceladas, a veces duras, de la guitarra acústica. El efecto de escuchar una canción tan profundamente arraigada en la conciencia pop como “It's All Over Now Baby Blue” convertida en una pieza de ambiente vibrante o el blues de bar de “Forever Young” convertido en un baile lento a la luz de las velas es impresionante. Una de las sorpresas más agradables del año hasta la fecha.

Sonido Ekiti: Drum Money (discos abarrotados)

Leke Awoyinka, el productor nigeriano conocido como Ekiti Sound, es parte de una generación creciente de artistas que flotan libres de géneros. Aprovecharon el fácil acceso a grabaciones de lugares lejanos del mundo y las adaptaron para satisfacer sus necesidades. En el caso de Awoyinka, es un deseo de moldear las antiguas tradiciones pop de su país natal en nuevas formas coloreadas por la música electrónica de baile moderna, el rock psicodélico y subgéneros del hip-hop como el trap y el taladro. El producto final se siente efervescente y desagradable, todo caderas, trasero y cerebro lleno de endorfinas. Como resultado, el nuevo álbum de Awoyinka, Drum Money, se encuentra entre los mejores del año hasta la fecha: un espectáculo de fuegos artificiales de ritmos e intenciones que dilatan las pupilas y que expresa sus preocupaciones sociopolíticas con un guiño astuto y comentarios juguetones sobre las normas sociales. Canciones como “Chairman” y “Ghost Leader” son a la vez aspiracionales y críticas, y ponen al descubierto sus preocupaciones por el creciente avance de los intereses occidentales en las elecciones y la economía de su país con ritmos ardientes y alegría obscena.

Gringo Star: Una y otra vez y se fue (Mi boca ansiosa)

El cuarteto de Atlanta Gringo Star cuenta con un sólido pedigrí musical con el abuelo de Nick y Peter Furgiuele, los dos hermanos al frente de este proyecto, que trabajaron en los años 50 y 60 como DJ de radio y promotor. Su aparente curiosidad por la historia de su familia llevó a los niños a sumergirse en la historia del R&B y el rock sureño, lo que naturalmente alimentó sus talentos como compositores e instrumentistas. Por lo tanto, desde 2007, han estado haciendo ruido como Gringo Star, perfeccionando lentamente su sonido a medida que se acercaban a algo cercano a las vibraciones “beach goth” de los Growlers. El nuevo álbum On and On and Gone es la versión más cristalizada y refinada de este proyecto hasta la fecha. Cargada de reverberación y una actitud engañosamente relajada, la banda toca como una máquina de discos llena de clásicos de 45 mientras conectan los puntos entre el surf y lo exótico, el R&B y el country, el indie rock y el soul. Lo desaliñado del audio se siente como una finta para enmascarar ligeramente sus habilidades como arreglistas (este disco está lleno de los sonidos de una sección de cuerdas) y la poética cruda de sus letras. Este récord es profundo.

Las manos invisibles: el gran minuto (abducción)

The Invisible Hands se jactan de ser “la única banda de folk-rock psicodélico proveniente de Egipto”, el tipo perfecto de afirmación casi hiperbólica que es realmente difícil de corroborar. Lo que no hay duda es que este grupo sigue siendo una de las mejores bandas de folk-rock psicodélico que han surgido de África en las últimas dos décadas. Con la presencia inconfundible de Alan Bishop de Sun City Girls, el cuarteto recorre una colección de originales puntiagudos y versiones bien elegidas extraídas de una bolsa de sorpresas de más de 100 canciones que han almacenado. El álbum completo atraviesa una especie de entropía mientras se mantiene unido con una intención y un volumen desgarradores desde el principio, disolviéndose lentamente a medida que avanza. Cuando llega a la recta final, la música comienza a perder su forma de una manera gloriosa. Mientras Bishop y su guitarra intentan reunir las piezas, los drones y los elementos alucinatorios comienzan a apoderarse de todo. Es sólo en el cierre Beefheartian (acertadamente llamado “La fiesta ácida de Satanás”) donde un último estallido de volumen y furia finalmente da paso al olvido.

Wynton Kelly Trio / Wes Montgomery: Smokin' at the Half Note / Alice Coltrane: Journey in Satchidananda / Stan Getz / Charlie Byrd: Jazz Samba (Verve / Acoustic Sounds)

La otra campaña de reedición en curso de Verve, Acoustic Sounds Series, ha avanzado muy bien este año, incluidos tres lanzamientos que merecen el tratamiento especial que les brindó Quality Record Pressings en Salinas, Kansas. La joya de la corona de este trío es Journey in Satchidananda de Alice Coltrane, una expresión de jazz espiritual devastadoramente poderosa que presenta algunos sonidos impíos del saxofonista Pharoah Sanders y un tornado de una actuación en vivo que podría levantar su hogar de sus cimientos en los volúmenes adecuados. Aún así, no te duermas con los otros dos relanzamientos. Wynton Kelly y su trío están claramente contentos de tener al guitarrista Wes Montgomery sentado con ellos, especialmente cuando realiza algunos solos relámpagos en su versión de “If You Could See Me Now” y la composición boppy de Sam Jones “Unit 7”. Charlie Byrd tiene un efecto similar en el tenor Stan Getz y su temprana exploración de la música latina, Jazz Samba. Los dos combinan tan bien entre sí, como en su interpretación flotante de “One Note Samba”, donde Getz lanza una breve y inflamada serie de notas que inspiran a Byrd a bailar un poco con los dedos en su guitarra acústica.

Sun Ra y su Arkestra Solar Intergaláctica: El espacio es el lugar: Música de la banda sonora original (Modern Harmonic)

La película afrofuturista y trippy Space is the Place, una muestra de las mentes cósmicas y los talentos del artista de jazz Sun Ra y su Arkestra, se estrenó originalmente en 1974 y desde entonces ha dejado boquiabiertos a espectadores y pensadores. Aunque un álbum con el mismo nombre salió un año antes, la banda sonora adecuada de la película nunca se lanzó hasta una edición en CD en 1993. Desde entonces, se ha dejado de imprimir y descatalogar. La música está recibiendo el tratamiento de lujo que merece gracias a la gente de Modern Harmonic, filial de Sundazed, que la está publicando una vez más en CD y en una caja de lujo que extiende la música en tres LP de vinilo de colores y incluye un DVD/Blu- Copia de rayos de la película y un dulce bolso de mano. La banda sonora es una imagen completa de lo que los Arkestra eran capaces de hacer: locuras experimentales, rupturas de percusión africana, bop noir y jazz espiritual justo. Este conjunto incluye una gran cantidad de material inédito que se inclina hacia el lado más libre de la banda que destaca el saxofón chillón de Marshall Allen y Danny Davis, y las poderosas voces del fallecido June Tyson.

Superbloom: La vida es borrosa (autoeditado)

Los rockeros de Brooklyn, Superbloom, te harían creer que su último EP es simplemente un EP. Veo su lógica ya que el lanzamiento completo dura poco menos de media hora. Por otra parte, Meet the Beatles se terminó y desempolvó en unos 26 minutos y John Mellencamp eliminó su álbum de 1994 Dance Naked en poco más de 29. Musicalmente, esas son malas comparaciones, ya que este cuarteto aterriza en una zona más cercana al shoegaze pero con suficiente punk. elementos para que sus canciones se sientan luchadoras y energizantes. Dejando a un lado la semántica, es un verdadero placer tener esta explosión sónica en el tocadiscos (la cera de color naranja brillante ciertamente no hace daño en ese frente). Estos cuatro caballeros tocan con tan justo abandono, manteniéndose al borde del caos total con solo la dinámica batería de Matteo Dix y la voz plateada de Dave Hoon manteniendo todo y a todos bajo control.

Verso Records: Volumen uno (Verso Records)

Espero que la comunidad de Connecticut atendida por la Biblioteca de Westport sepa lo bien que la tienen. No solo cuentan con una biblioteca de préstamo de instrumentos musicales y una galería de fácil acceso de contenido de podcasts y vídeos de producción propia, sino que también albergan Verso Studios, un espacio de grabación destinado a apoyar la escena musical local y servir como centro de enseñanza para ingenieros en ciernes. . Si eso no fuera suficiente, la biblioteca decidió iniciar su propio sello discográfico, Verso Records, que comenzaron este mes con el lanzamiento de esta maravillosa compilación en vinilo de material de una variedad de actos del área de Westport. Como era de esperar, hay una amplia gama de sonidos con Flameproof Mascara brindando ruido punk, algo de hip-hop Roots de MIGHTYMOONCHEW y Dooley-O, John Collinge Jazz Quartet ofreciendo una hermosa versión de “I Could Write a Book”. ” y algo de “la mejor (y única) banda de hockey del mundo”, The Zambonis. (Los hermanos Hanson no estarían de acuerdo). Lo que se percibe, desde el vinilo amarillo limón hasta el brillante testimonio del Talking Head Chris Frantz en las notas, es una clara sensación de calidez y alegría. El proyecto fue claramente un trabajo de amor para todos los involucrados y trataron cada parte con la correspondiente cantidad de cuidado y orgullo cívico.

Warren Zevon: Chico excitable (Mobile Fidelity Sound Labs)

Después de haber capeado una tormenta de relaciones públicas cuando se reveló que estaban usando un paso digital en el proceso de masterización para sus lanzamientos supuestamente "totalmente analógicos" (y desembolsado 25 millones de dólares para resolver una demanda colectiva), Mobile Fidelity continúa avanzando. con su programación de ediciones en vinilo de calidad de álbumes clásicos. En abril pasado, la aguja aterrizó en Excitable Boy, el tercer álbum y avance comercial del querido cantante y compositor Warren Zevon. En el momento de su lanzamiento en 1978, Zevon era una figura querida en la escena de Los Ángeles y los créditos de su anterior lanzamiento homónimo reflejaban eso con todos, desde Glenn Frey hasta Bonnie Raitt y Phil Everly, allí para echar una mano. Excitable contaba con una lista de invitados similar que incluía la sección rítmica de Fleetwood Mac, Linda Ronstadt y el coproductor Jackson Browne, pero también tenía mejor material como la mordaz “Lawyers, Guns and Money” y el clásico instantáneo “Werewolves of London”. Esta nueva edición trata la música con mimo. Los LP se cortan a 45 RPM y son silenciosos en el tocadiscos. No se pierde ningún detalle del álbum y, por momentos, suena más fuerte y audaz que las ediciones anteriores.

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